06 septiembre 2017

Directores - Akira Kurosawa

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AKIRA KUROSAWA (Shinagawa, Tokyo, Japón, 23 de Marzo de 1910 – Setagaya, Tokyo, Japón, 6 de Septiembre de 1998), fue uno de los más célebres directores de cine de Japón. Su primer largometraje fue Sugata Sanshiro (La Leyenda del Gran Judo), dirigió más de 30 películas, entre ellas algunas tan conocidas como Los Siete Samuráis, Rashōmon​, Dersú Uzalá, Yōjinbō, Ran y Los Sueños de Kurosawa. En 1990 recibió un Óscar honorífico por su trayectoria de las manos de George Lucas y Steven Spielberg.
Infancia y juventud
Akira fue el séptimo hijo de Isamu y Shima Kurosawa. La madre, tenía cuarenta años cuando nació Akira, y su padre Isamu, cuarenta y cinco. Akira Kurosawa creció en una casa llena de parientes, ocupada por sus padres, uno de sus hermanos mayores y tres de sus hermanas. De los hermanos restantes, uno había fallecido antes de que naciera Akira, y otros dos (uno de los hermanos y una de las hermanas) ya se habían independizado.
Su madre era una mujer abnegada a la que no le importaba sacrificarse por su marido y sus hijos. Procedía de una familia de comerciantes de Osaka.
Su padre era el director de un instituto del ejército japonés, y la propia familia Kurosawa descendía de una línea de antiguos samuráis. Fue un admirador de la cultura occidental, tanto en los programas deportivos que organizaba, como en su afición al cine, que acababa de ser introducido en Japón en aquella época. En la escuela primaria comenzó a dibujar bajo la tutela de un profesor que se interesó por su talento.
Heigo trabajó en los cines de Tokyo como benshi, o narrador de películas mudas para el público japonés. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro, el trabajo de los benshi comenzó a desaparecer, lo que llevó a Heigo a intentar organizar una huelga que fracasó. Akira también estaba implicado en las luchas de sindicatos, habiendo escrito varios artículos para un periódico, al mismo tiempo que perfeccionaba su destreza como pintor.
Cuando Akira acababa de cumplir los 20 años, su hermano Heigo se suicidó, y cuatro meses más tarde murió el mayor de sus hermanos, dejando a Akira como el único hijo varón superviviente. La hermana inmediatamente mayor de Akira, a la que él llamaba "pequeña hermana mayor", también había muerto repentinamente cuando él tenía solo diez años de edad.
Kurosawa, director de cine
Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le dio a sus películas un aspecto único.
Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones.
También le gustaba usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos.
Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era su empleo habitual de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los Siete Samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yōjinbō (El Mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru o la niebla en Kumonosu-jō (Trono de Sangre).
Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, "El Emperador"), por su estilo como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado.
En Rashōmon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshirō Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a solo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del monte Fuji, solo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película.
Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) solo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.
Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba autenticidad al personaje. Para solventarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa. En algunos casos, como en Los Siete Samuráis, en el que la mayor parte del reparto estaba formado por granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje.
Kurosawa también pensaba que una música "acabada" no encajaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar una escena, solía buscar un solo instrumento (por ejemplo, solo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más "acabada".
Influencias
Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basada en El rey Lear, y Trono de sangre en Macbeth, mientras que Warai Yatsu Hodo Yoku Nemuru, (Los canallas duermen en paz) tiene ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella.
Kurosawa también dirigió adaptaciones de obras literarias rusas, incluyendo El Idiota de Fiodor Dostoievski o Donzoko (Los bajos fondos) de Máximo Gorki. Ikiru trata hasta cierto punto las mismas cuestiones que el cuento de León Tolstoi: La muerte de Iván Ilich. Algunos de los hilos argumentales de Barbarroja pueden encontrarse en Humillados y Ofendidos de Fiodor Dostoievski.
Tengoku To Jigoku (El infierno del odio) toma ideas de la obra King's Ransom del escritor policíaco estadounidense Ed McBain, Yōjinbō guarda similitudes con Cosecha Roja de Dashiell Hammett.
El Perro Rabioso se inspira en las novelas de detectives del belga Georges Simenon.
El germen de Los Siete Samuráis se encuentra en la tragedia clásica griega de Esquilo Los siete contra Tebas.

FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1943. Sugata Sanshirō (La Leyenda Del Gran Judo)
• 1944. Ichiban Utsukushiku (La Más Bella)
• 1945. Zoku Sugata Sanshirō (La Nueva Leyenda Del Gran Judo)
• 1945. Tora No O Fumu Otokotachi (Los Hombres Que Caminan Sobre La Cola Del Tigre)
• 1946. Asu O Tsukuru Hitobito (Los Que Construyen El Porvenir)
• 1946. Waga Seishun Ni Kuinashi (No Añoro Mi Juventud)
• 1947. Subarashiki Nichiyōbi (Un Domingo Maravilloso)
• 1948. Yoidore Tenshi (El Ángel Ebrio)
• 1949. Shizukanaru Kettō (Duelo Silencioso)
• 1949. Nora Inu (El Perro Rabioso)
• 1950. Shūbun (Escándalo)
• 1950. Rashōmon
• 1951. Hakuchi (El Idiota)
• 1952. Ikiru (Vivir)
• 1954. Shichinin No Samurai (Los Siete Samuráis)
• 1955. Ikimono No Kiroku (Crónica De Un Ser Vivo)
• 1957. Kumonosu-Jō (Trono De Sangre)
• 1957. Donzoko (Los Bajos Fondos)
• 1958. Kakushi Toride No San-Akunin (La Fortaleza Escondida)
• 1960. Warui Yatsu Hodo Yoku Nemuru (Los Canallas Duermen En Paz)
• 1961. Yōjinbō (El Mercenario)
• 1962. Tsubaki Sanjūrō (Sanjūrō)
• 1963. Tengoku To Jigoku (El Infierno Del Odio)
• 1965. Akahige (Barbarroja)
• 1970. Dodesuka-Den
• 1975. Dersú Uzalá (El Cazador)
• 1980. Kagemusha (La Sombra Del Guerrero)
• 1985. Ran (Caos)
• 1990. Yume (Sueños)
• 1991. Hachi-Gatsu No Kyōshikyoku (Rapsodia En Agosto)
• 1992. Madadayo

ANEXO (Documentales acerca de Kurosawa)
• 1985. AKby Chris Marker
• 2000. Great Performances: Kurosawa by Adam Low
• 2000. A Message from Akira Kurosawa: for Beauty Movies by Hisao Kurosawa


Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa
https://www.topia.com.ar/articulos/grandes-directores
http://www.vorticeonline.com/2010/03/23/akira-kurosawa-recordando-al-emperador/
https://theredlist.com/wiki-2-17-513-1407-view-directors-profile-akira-kurosawa.html
1981 - Something Like An Autobiography by Akira Kurosawa.pdf

Kurosawa Akira Kara No Messēji: Utsukushii Eiga O (2000)

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FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA Este documental/entrevista realizado por la propia hija de Kurosawa detalla a modo de conversación el espíritu que la ponía a sus películas, de esta forma dividido en 10 partes ofrece una clase magistral de cómo hacer una película hermosa. Toca los tópicos: 01: Material, 02: Guión, 03: Storyboards, 04:Filmación, 05: Iluminación, 07: Vestuario, 08: Edición, 09: Música y 10: Dirección. Tanto si deseas tener nociones básicas para dirigir una película o por cultura general, este video es imprescindible para todo fanático del cine, y si lo eres de Kurosawa, aun más.(ScH)
Kurosawa No Messeji aka. Un Mensaje de Akira Kurosawa: Para Peliculas Hermosas aka. A Message From Akira Kurosawa: For Beautiful Movies IMDB 7.3
AÑO: 2000
DURACIÓN: 81 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Hisao Kurosawa
GUIÓN: Hisao Kurosawa
MÚSICA: Tracks
ELENCO: Akira Kurosawa, Kazuko Kurosawa.
PRODUCTORA: Kurosawa Productions Co.
GÉNERO: Documental, Biográfico, Entrevista

Akira Kurosawa, como muchos de sus contemporáneos, fue notoriamente reticente en las entrevistas a lo largo de su vida. Según los informes, Kurosawa consideraba que la realización de películas era algo más parecido a un oficio que a un arte y por lo tanto no merecía la pena discutirlo en el intrincado detalle que los eruditos tienden a devorar.

Este documental, lanzado apenas dos años después de la muerte del gran director, rectifica parte de su recelo a dar entrevistas que tuvo en los últimos años de su vida, sobre todo en relación con las películas Rapsodia en Agosto y Madadayo. Por supuesto, los aficionados de Kurosawa estarán ligeramente decepcionados de que el documental sirva mejor al período tardío de Kurosawa, sin embargo la forma en que Hisao Kurosawa (el hijo de Akira) enmarca el documental es como una clase magistral en el cine, con su padre discutiendo elementos como iluminación, diseño y storyboards en distintos capítulos. Sería una herramienta útil para los jóvenes estudiantes de cine, aunque un análisis un poco más crítico y teórico habría fortalecido el retrato.

Lo que el documental argumenta sobre Kurosawa es que él consideraba dirigir como ser un reflejo de la humanidad. Al discutir una escena en la que un paraguas de una anciana rompe en Rhapsody en agosto, Kurosawa se queja de que no puede explicar por qué la audiencia encontró la escena tan emocional, pero que es el tipo de momento que sólo logra unas pocas veces por película. Esta búsqueda agresiva de "esencia cinematográfica" fue la fuerza motriz de Kurosawa, y si "For Beautiful Movies" es en gran medida un examen a nivel de superficie de la carrera de Kurosawa, ofrece la rara oportunidad de escucharlo discutir las técnicas cinematográficas en detalle.
(Reseña traducida de: http://hides.at/J7e7Um).

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AVI-Rip RMVB Audio japones con subtítulos en castellano (VOSE)
1 archivo de 327 MiB en up-4ever
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Kurosawa by Adam Low (2000)

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FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA Great Performances, es una serie de televisión estadounidense, dedicada a las artes escénicas, ha sido transmitida en señal abierta por el Servicio Público de Radiodifusión (PBS) desde 1972 hasta la actualidad. Es la serie de TV más larga existente de artes escénicas que presenta conciertos, ballet, ópera, documentales, etc. En la Temporada 39, epidosio 09 (21 de marzo de 2002), se presentó este documento videográfico sobre Akira Kurosawa. Fue estrenado en Japón en diciembre de 2000, presentado y aclamado en el Festival de Cine de Londres en noviembre de 2001. También fue exhibido en el Festival de Documentales de Tesalónica en Grecia en marzo de 2003, como parte de un homenaje a la productora de biografías Margaret Smilow. (ScH)

Kurosawa IMDB 7.5 / FilmAffinity 7.3
AÑO: 2000
DURACIÓN: 115 min
PAÍS: Estados Unidos / UK. / Japón
DIRECTOR: Adam Low
GUIÓN: Adam Low
MÚSICA: The Fratelli Brothers
FOTOGRAFÍA: Dewald Aukema
ELENCO: James Coburn, Clint Eastwood, Shinobu Hashimoto, Hiromichi Horikawa, Kon Ichikawa, Shuichi Kato, Masahiko Kumada, Hisao Kurosawa, Kazuko Kurosawa, Machiko Kyo, Tatsuya Nakadai, Teruyo Nogami, Stephen Prince, Donald Richie, Tadao Sato, Isuzu Yamada.
PRODUCTORA: 13-WNET (EEUU.) / BBC TV Arena (UK.) / NHK (Japón) en asociación con Winstar TV & Video. Producido por Margaret Smilow y Sonoko Aoyagi Bowers.
GÉNERO: Documental, Biográfico

Un completo repaso y análisis de las vidas y las películas de Akira Kurosawa. Esta crítica biografía del maestro japonés, quien murió en 1998, reutiliza las entrevistas de la BBC de 10 años de un programa previo de la BBC, extensas imágenes de archivo, entrevistas con viejos colegas de Kurosawa, a críticos (Tadao Sato y Donald Richie) y a famosos admiradores estadounidenses (Clint Eastwood, James Coburn), También hay escenas en sets de grabación. Adam Low utiliza bien los antecedentes de Kurosawa. Este documental cuenta con la narración de Sam Shepard e incluye fragmentos de su libro autobiográfico, leídos por Paul Scofeld (ScH).

Fuentes:
http://www.cinespot.com/amreviews/en/Kurosawa
http://www.needcoffee.com/html/dvd/kurosawa.html
http://www.bfi.org.uk/films-tv-people/4ce2b87702942
http://variety.com/2002/film/reviews/kurosawa-1200552069/
https://en.wikipedia.org/wiki/Akira_Kurosawa#Documentaries
https://japaneseculturereflectionsblog.wordpress.com/2016/02/14/kurosawa-the-documentary-2001/

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AVI-Rip RMVB Audio inglés, subtítulos en castellano (VOSE)
471 MiB en 2 partes en up-4ever
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AK. (1985)

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FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA AK, es una especie de Making of de la película Ran. Desarrollado durante la filmación de la película, revela detalles acerca de la dirección de Kurosawa (ScH)

AK. IMDB 7.2 / FilmAffinity 6.8
AÑO: 1985
DURACIÓN: 75 min
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Chris Marker
GUIÓN: Chris Marker
MÚSICA: Tôru Takemitsu
FOTOGRAFÍA: Frans-Yves Marescot
ELENCO: Akira Kurosawa, Chris Marker, Tatsuya Nakadai.
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Japón; Greenwich Film Productions.
GÉNERO: Documental, Documental Sobre Cine.

Documental sobre el viaje que Marker hizo en 1985 al Japón para asistir al rodaje de "Ran" de Akira Kurosawa. Marker analiza los entresijos del rodaje, la paciencia infinita de un equipo a las órdenes de un director meticuloso hasta el más mínimo detalle, la mezcla antitética de lo moderno con lo tradicional, de lo real con lo ficticio, de la vida y el cine (o la literatura). En España, el documental se comercializa en la edición coleccionistas de la película "Ran". (FILMAFFINITY).

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1 archivo de 298 MiB en up-4ever
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Sugata Sanshirō (1943)

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FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA Sugata Sanshirō es la Ópera Prima del legendario director japonés Akira Kurosawa. Es un film à clef basado en una novela que relata las aventuras de un joven aprendiz de jujitsu, que termina prefiriendo el judo como "camino de vida". Esta película se estrenó en 1943 en Japón, y se reestrenó en 1952, con recortes forzados durante la Segunda Guerra Mundial, donde -además de la censura de contenidos- se establecía una duración máxima a cada género de películas. Kurosawa no siente que sea su primer largometraje, en su libro "Something Like an Autobiography", señala que mientras era asistente del director Kajirō Yamamoto, pudo participar activamente en la dirección varias películas. (ScH)
Sugata Sanshirō aka. La Leyenda del Gran Judo aka. Judo Saga.IMDB 6.8 / FilmAffinity 6.5
AÑO: 1943
DURACIÓN: 80 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Akira Kurosawa
GUIÓN: Akira Kurosawa (Novela: Tsuneo Tomita)
MÚSICA: Seiichi Suzuki
FOTOGRAFÍA: Akira Mimura (Blanco y Negro)
ELENCO: Denjirō Ōkōchi, Susumu Fujita, Yukiko Todoroki, Ryunosuke Tsukigata, Takashi Shimura, Ranko Hanai, Sugisaku Aoyama, Ichirô Sugai, Yoshio Kosugi, Kokuten Kodo
PRODUCTORA: Tōhō
GÉNERO: Aventuras. Acción. Drama | Artes marciales. Judo. Siglo XIX

Sanshirō Sugata es un joven aprendiz de jiujitsu, que al conocer el judo, se vuelve discípulo de Shogoro Yano, un maestro de judo. A lo largo de su aprendizaje deberá enfrentar sus propios defectos y temores (ScH).

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321 MiB en 2 partes en up-4ever y file-upload
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P a s s w o r d : sobredosisdeinternet.com
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Ichiban Utsukushiku (1944)

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Ichiban Utsukushiku aka. La Más Bella aka. The Most Beautiful IMDB 5.8 / FilmAffinity 5.8
AÑO: 1944
DURACIÓN: 85 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Akira Kurosawa
MÚSICA: Seiichi Suzuki
FOTOGRAFÍA: Joji Ohara
ELENCO: Takashi Shimura, Shôji Kiyokawa, Ichirô Sugai, Takako Irie, Yôko Yaguchi, Sayuri Tanima, Sachiko Ozaki, Shizuko Nishigaki
PRODUCTORA: TŌHŌ
GÉNERO: Drama, Segunda Guerra Mundial, Propaganda

Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), varias mujeres trabajan en una empresa de instrumentos de óptica. Bajo el control paternalista del director de la fábrica, luchan para conseguir la máxima calidad en difíciles condiciones. A pesar de las enfermedades y los problemas con los que se enfrentan, viven entregadas a su trabajo y a la causa de su país. El jefe de equipo, cuya mujer se está muriendo, se esforzará por dar ejemplo a los demás mostrando una voluntad de acero. (FILMAFFINITY).

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Zoku Sugata Sanshirō (1945)

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FILMOGRAFÍA DE AKIRA KUROSAWA Zoku Sugata Sanshirō es la continuación de la historia de Sanshirō Sugata, quien se da cuenta que su destreza en el judo puede ser un arma de doble filo. El disciplinado judo se enfrentará al morboso boxeo, para dar una lección de optimismo. Se dice que esta película es nacionalista y representa la supremacía de la cultura occidental japonesa, pues, entiéndela como desees, el mismo Akira Kurosawa dijo que sus películas son universales, dirigidas a todo público y sin ninguna interpretación en particular.(ScH)

Zoku Sugata Sanshirō aka. La Nueva Leyenda del Gran Judo aka. Judo Saga 2. IMDB 6.2 / FilmAffinity 5.9
AÑO: 1945
DURACIÓN: 82 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Akira Kurosawa
GUIÓN: Akira Kurosawa (Novela: Tsuneo Tomita)
MÚSICA: Seiichi Suzuki
FOTOGRAFÍA: Takeo Ito (Blanco y Negro)
ELENCO: Denjirō Ōkōchi, Susumu Fujita, Ryunosuke Tsukigata, Akitake Kōno, Yukiko Todoroki, Sōji Kiyokawa, Masayuki Mori, Seiji Miyaguchi, Ko Ishida
PRODUCTORA: TŌHŌ
GÉNERO: Aventuras. Acción. Drama | Artes marciales. Judo. Siglo XIX | Secuela

Sanshirō Sugata tiene que enfrentarse a nuevos retos y luchar contra adversarios cada vez más difíciles, pero no por ello dejará de aprender, a través de las artes marciales, una filosofía que le permitirá orientar su vida. (FILMAFFINITY).

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354 MiB en 2 partes en up-4ever
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Tora No O Fumu Otokotachi (1945)

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Tora No O Fumu Otokotachi aka. Los Hombres que Caminan Sobre la Cola del Tigre aka. The Men Who Tread on the Tiger's Tail IMDB 6.8 / FilmAffinity 6.6
AÑO: 1945
DURACIÓN: 58 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Akira Kurosawa
MÚSICA: Tadashi Hattori
FOTOGRAFÍA: Joji Ohara
ELENCO: Denjirō Ōkōchi, Susumo Fujita, Takashi Shimura, Kenichi Enomoto, Masayuki Mori
PRODUCTORA: TŌHŌ
GÉNERO: Drama. Aventuras | Mediometraje. Japón feudal. Siglo XII

Japón medieval. Un samurai huye de su hermano. Tanto él como sus guardaespaldas tienen que disfrazarse de sacerdotes para atravesar un bosque y eludir a los guardias de la frontera. (FILMAFFINITY).

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Waga Seishun Ni Kuinashi (1946)

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Waga Seishun Ni Kuinashi aka. No Añoro mi Juventud aka. No Regrets for My Youth IMDB 7.2 / FilmAffinity 6.6
AÑO: 1946
DURACIÓN: 108 min
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Akira Kurosawa
GUIÓN: Eijirō Hisaita, Akira Kurosawa, Keiji Matsuzaki
MÚSICA: Tadashi Hattori
FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai
ELENCO: Setsuko Hara, Susumu Fujita, Denjirō Ōkōchi, Haruko Sugimura, Eiko Miyoshi, Kokuten Kodo, Akitake Kōno
PRODUCTORA: TŌHŌ
GÉNERO: Drama

Yukie, hija de un profesor universitario, se queda conmocionada cuando su padre es expulsado de su cátedra por sus enseñanzas políticas, pero mucho más aún cuando su novio es arrestado y ejecutado bajo la acusación de espionaje.(FILMAFFINITY).

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01 julio 2017

Directores - Jacques Tati

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Jacques Tatischeff (Le Pecq, Yvelines, Francia, 9 de Octubre de 1907 – París, 4 de Noviembre de 1982), mejor conocido como Jacques Tati. Fue un director, guionista y actor francés.

Juventud e inicios: HIjo de padre Ruso y madre Holandesa. Nació en el pequeño poblado de Le Pecq, situado en el departamento francés de Yvelines. Estudió Artes e Ingeniería en la academia militar Lycée de Saint Germain-en-laye. Hábil para los deportes, después de graduarse practicó varios, incluido el boxeo, el tenis y el rugby (1925-30), contemplando la posibilidad de convertirse en jugador profesional de Rugby. Fue más o menos durante ese tiempo que descubrió su talento para la comedia, divirtiendo a sus compañeros de equipo y entrenadores con sus imitaciones. A partir de 1931, Tati recorrió teatros, circos y salones musicales de toda Francia con sus rutinas cómicas, acrobacias y mímicas. Fue por ese tiempo también que acortó su apellido Tatischeff a Tati, para que cupiera sin problemas en los afiches de los teatros. Varios críticos y revistas hicieron buenas críticas de su trabajo y al poco tiempo entró al mundo del cine participando en varios cortometrajes. La segunda guerra mundial frenaría temporalmente su carrera. Fue movilizado y fue partícipe de la guerra por un corto período de tiempo entre 1939 y 1940. Entre 1940 y 1942 presentó Impressions sportives en el Cabaret Lido de Paris, donde trabajó junto a la austriaca Herta Schiel, con quien tuvo una hija, Helga Schiel, a quien Tati no reconoció. Tati huyó de la ciudad y las abandonó, decisión de la que se arrepintió toda su vida. Esta situación, porbablemente, fue su inspiración para escribir el guion de “El ilusionista”, historia que nunca filmó, pero sí fue llevada al cine en 2010 por Sylvain Chomet. Helga Schiel y su familia, quienes se sabe que en 2009 residían en Inglaterra, son los únicos descendientes vivos del nuestro director. En 1943 se refugió en el poblado de Sait-Sévère con su amigo Henri Marquet, con quien escribió el guion de "L’école des facteurs". En 1944 contrajo matrimonio con Micheline Winter con quien tuvo dos hijos. En ese tiempo participó como actor en varias películas del director Claude Autant-Lara.

Filmografía (largometrajes): En 1946, año en el que nació su hija Sophie, Tati dirigió y protagonizó el cortometraje “L'école des facteurs”, encarnando al cartero François. Este cortometraje es la antesala a su primer largometrake, “Día de Fiesta” (1949) el cual pretendía ser la primera película a color en la historia de Francia, pero la quiebra del laboratorio encargado del proceso impidió su proyección a color. Tati había filmado con dos cámaras, una con película a color y una con película en Blanco y Negro como medida de seguridad. “Día de fiesta” se estrenó en 1949 en blanco y negro. En su siguiente película “Las vacaciones del Sr. Hulot” (1953), encarna por primera vez a su personaje más querido y emblemático, el Señor Hulot, a quién también interpretó en sus siguientes tres películas. Con “Mi tio” (1958), contaba ya con reconocimiento internacional y consiguió el Oscar a mejor película extranjera. Con el éxito y la confianza ganadas produjo “Playtime” (1967), la que es considerada su obra maestra. Para esta película construyó un escenario gigantesco al cual apodaron Tativille. Esta película fracazó en taquilla, lo arruinó económicamente e hizo que tuviera que ceder los derechos de sus películas. Sin embargo, años más tarde produjo “Trafic” (1971), donde se despediría finalmente del personaje del Sr. Hulot. Su última película fue “Parade” (1974), producida para la TV. En 2001, su hija Sophie Tatischeff junto a Jérôme Deschamps y Macha Makeïeff crearon la sociedad Les Films de Mon oncle que se dedicó a recuperar los derechos de sus películas y a restaurarlas.

Influencias y Estilo: Tati admiraba a Charlie Chaplin y Buster Keaton, y aunque se inspiró en ellos, no se limitó a imitarlos. Minucioso y perfeccionista, planificaba cada detalle de sus películas. En la mayoría de ellas, el manejo del color era muy importante como medio para dirigir la atención del espectador. El sonido era fundamental para darle sentido a sus gags y en ocasiones también para dirigir la atención del espectador. En opinión de David Lynch, el sonido en las películas de Tati representaba el 50 por ciento de la comedia. Los diálogos eran escasos; eran más bien accesorios de ambientación. No habían historias bien definidas, su prioridad eran las situaciones. Eso no quiere decir que carecieran de ideas: sus películas llevaban implícitas críticas políticas, críticas al modernismo, a la tecnología y a la sociedad francesa de posguerra muy influenciada por el estilo de vida estadounidense. Casi no contrataba actores profesionales. Al final de sus películas debaja pistas para saber de qué trataría la siguiente. Jacques Tati desarrolló un estilo propio y original que influenció a otros cineastas destacados como David Lynch, Tim Burton, Wes Anderson y Rowan Atkinson, por mencionar algunos. En su tiempo fue reconocido y bien calificado por los miembros de la revista Cahiers du Cinema, ícono de la Nouvelle Vague.


FILMOGRAFÍA (En negritas, largometrajes publicados en el Blog)
• 1949 – “Día de Fiesta” – Jour de fête
• 1953 – “Las vacaciones del Sr. Hulot” - Les vacances de Monsieur Hulot
• 1958 – “Mi tío” – Mon oncle.
• 1967 – “Playtime”
• 1971 – “Tráfico” - Trafic
• 1974 – “Zafarrancho en el Circo” - Parade

Fuentes:
https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Tati
http://www.imdb.com/name/nm0004244/
http://www.uv.es/dep230/revista/PDF163.pdf
http://www.uv.es/dep230/revista/PDF263.pdf
"La Historia del Cine: Una Odisea" - Capítulo 7


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26 junio 2017

Cosideraciones Finales de la Muestra Maestra!!

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CONCLUSIONES ._Estás seran las apreciaciones mas importantes que recogemos de lo trabajado en los Posts, en gran medida mucha de la información que aquí presentaremos fue validada en investigaciones, tesis, libros, etc. Nosotros brevemente volveremos a dichos aspectos para darle un bonito cierre a un arduo trabajo hecho a tres manos por más de dos meses. (Ale)
Primera Consideración: La Nueva Ola del Cine Francés fue un movimiento cinematografico que surgió en francia a finales de los años 50s y principios de los años 60s; mucha parte de ésta iniciativa se debe a un grupo de jóvenes intelectuales, agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma (ellos son el nucleo principal).
Segunda Consideración: los referentes, precursores y personajes que inspiraron a esta “nueva ola” fueron en gran parte, Jean-Pierre Melville, Alexandre Astruc y Roger Vadim; que sientan precedentes en los cambios del cine precentados en la Nueva Ola, siendo ya ellos mismos representantes del cine moderno. Hay otros directores de cine como Bresson, Renoir y Becker, que siguen trabajando para finales de los 50s y principios de los 60s, que sin pertenecer a la Nouvelle Vague ni proponer ninguna ruptura generalizada con lo anterior, influyen en la cinematografía de los jóvenes por la admiración que algunos de éstos les profesan. Tambien cabe destacar en este apartado a tres cineastas que, sin llegar a formar parte en sentido estricto de la Nouvelle Vague, son contemporáneos al movimiento y tienen ciertas vinculaciones con él: Jean Cocteau, Jean Rouch y Georges Franju. Y por ultimo es imposible no citar al célebre André Bazin influyente crítico de cine y teórico cinematográfico francés (Gracias a él existio la revista, entre otras cosas más).
Tercera consideración: Estas son las principales características que la Nouvelle Vague Apropia: Las películas son hechas con bajo presupuesto, el rodaje se hace en exteriores en París y con pocos medios técnicos, en el uso de cámaras se prefiere las ligeras para rodar en mano y con libertad, existe un cambio en la fotografía con movimientos novedosos, las tomas largas va ser muy similares al estilo del americano Preminger o del japonés Mizoguchi, los personajes casi siempre estaran sin rumbo ni expectativas (a veces seran más importantes las ideas que los personajes), en muchos momentos de las películas existen improvisaciones de rodaje o de los actores, algunas veces los montajes son discontinuos, los planos y tomas en las películas sirven para homenajear a otros autores o hacer publicidad, etc.
Cuarta Consideración Existio un contexto histórico-fílmico que envolvio a la Nouvelle Vague, en el cual varias situaciones se dieron para pensar a futuro; la crisis en el área de la política internacional, la aprobación por referéndum la V República, la iniciativa de André Malraux, en el Ministerio de Asuntos Culturales, el aumento en el número de hogares que disponen de aparatos de televisión, el volumen de público que asiste a las salas de cine desciende llamativamente, también disminuye de modo considerable el tiempo que permanece en cartel una película, muchos cines desaparecieron y, los que no, hicieron reformas, y por ultimo, se aumenta el precio de las entradas, el Estado toma una serie de medidas de apoyo económico a la cinematografía y, se potencia la realización cinematográfica con la revolución en el sistema de producción que supone el cine moderno.
Quinta y ultima Consideración El término Nouvelle Vague y sus Directores segun la historiografía, no tiene una postura definida, unos tienden a englobar dentro de la etiqueta Nouvelle Vague a todos los cineastas que rompieron con la dinámica de la Qualité y con su sistema de producción habitual; otros historiadores hablan de Nouvelle Vague para referirse únicamente a los miembros de la revista Cahiers du cinéma; entre muchas otras calificaciones popularizadoras; en definitiva, bajo esta etiqueta ha llegado hasta nuestros días como un movimiento que recoge entre sus filas a miembros muy dispares en estilo, ideología e intenciones, pero que llegarán a cambiar el modo de producción, la estética y los contenidos de las películas francesas.
El término Nouvelle Vague nace como un concepto más amplio que sólo un movimiento cinematográfico y se entiende su vinculación con el cine en un sentido sociológico; la Nouvelle Vague propuso un cine alternativo al convencional, tanto en los modos de producción como en la estética y los contenidos. Este cine supone la apertura de una brecha que da pie a los cineastas a actuar con mayor autonomía y desarrollar así su creatividad artística.

Estás son algunas de las conclusiones que fueron reseñadas en el transcurso de los distintos Posts, mucha de esta imformación fue tomada del escrito y analisis "La "Nouvelle Vague" vista desde un siglo nuevo" hecho por Teresa Nozal en el 2004.

Sólo queda agradecer a las miles de personas que dscargaron y siguen descargando el materia filmico, a los que comentaron y que seguiran comentando, a los que nos enviaron correos electronicos con nuevas ideas, felicitaciones y multiples asuntos por trabajar. a toods y cada uno de ustedes un abrazo fuerte, un brindis y un proximo y venturoso nuevo encuentro con el Cine!! Recordad que el cine es para todos y todas !!

Si quieres ir a la página de Nouvelle Vague en Wikipedia Dale CLIC AQUI

17 junio 2017

El Amor despues del Mediodía (1972)

2 Cinéfilos Comentaron
Directores - Éric Rohmer
Éric Rohmer

LA NOUVELLE VAGUE ._ Eric Rohmer Le da fin a sus cuentos morales en el año 1972; con ésta sensible y bella película que presentaremos hoy.
Tambien y en cierto modo, cerramos con Rohmer la muestra dedicada al movimiento del cine frnaces "Nouvelle Vague" del cual sabemos que se necesitan más ciclos, más capitulos, más espacios, para abordar y desentrañar en totalidad su magnifico y portentoso legado.
Eric Rohmer realizo en sus seis cuentos morales una especie de tratado sobre las relaciones entre hombres y mujeres, recapitula a traves de sus historias de una manera muy sensible su visión personal del amor, el romance y las condiciónes afectivas; sabe llegar y lograr objetivos muy claros sobre las pretenciones humanas y los sentimientos más intimos.
La Película cuenta con la actuación de Bernard Verley, Zouzou, Françoise Verley, Daniel Ceccaldi, Malvina Penne, Babette Ferrier, Frédérique Hender, Claude-Jean Philippe, Marie-Christine Barrault, Béatrice Romand, y Françoise Fabian; tambien es de rescatar el buen trabajo realizado por el español Nestor Almendros, en fotografia. L'amour l'après-midi en 1972 fue seleccionada por la National Board of Review como una de las Mejores películas extranjeras.
Bueno, en tono un poco cortante, no hablare más sobre la película y dare menos rodeos a la cuestión que nos atañe, es simple y curioso que al finalizar una muestra se haga o se desaten multiples conclusiones y quizas acuerdos sobre lo vivido. Yo hoy voy a ser un poco casto en el asunto, me permitire dejar a ustedes esa opción, dejar al libre alvedrio la oportunidad de opinar y reflexionar lo que fue y vivimos por más de un mes de proyecciones.
Disfrutad y seguid apoyando nuestra Misión: el cine es para todos!!! (Ale)

L'amour l'après-midi aka Love in the Afternoon
 L'amour l'après-midi
(1972) on IMDb
AÑO: 1972
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Eric Rohmer
GUIÓN: Eric Rohmer.
MÚSICA: Arié Dzierlatka.
FOTOGRAFÍA: Néstor Almendros.
ELENCO: Bernard Verley, Zouzou, Françoise Verley, Daniel Ceccaldi, Malvina Penne, Babette Ferrier, Frédérique Hender, Claude-Jean Philippe, Marie-Christine Barrault, Béatrice Romand.
PRODUCTORA: Les Films du Losange.
GALARDONES: Catalogada en 1972 como una de las mejores películas por el National Board of Review, USA .

Un hombre casado se enfrenta a la tentación del adulterio encarnada en una bella amiga. Con esta premisa tan sencilla, Rohmer elabora uno de sus mejores ejercicios de geometría amorosa. Un guión que indaga en los sentimientos con la precisión de un cirujano y la ligereza de un malabarista. Fascinante, hipnótica, magistral. (FILMAFFINITY)

Revisa otras críticas en FILMAFFINITY

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L'amour l'après-midi (1972) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
384 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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15 junio 2017

La Ruptura (1970)

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Directores - XXXNombreXXX
Claude Chabrol

LA NOUVELLE VAGUE ._ Claude Chabrol ésta sumergido en su llamada "Etapa André Génovès" comprendida desde 1967 a 1974, donde nos muestra con gran virtud un cine bastante interesante para el estilo que iba a establecer como propio.
La ruptura es un filme que luego de visionado, para el conocedor de la obra de este francés realizador, tiene bastante justificado su título, pues ciertamente significará una ruptura, un cambio, respecto a algunas de las más importantes directrices de la andadura cinematográfica hasta ese momento del director; aunque en este apreciable trabajo del buen Claude no encontraremos demasiadas novedades en el aspecto técnico, por ejemplo con la cámara, ésta se mantendra estática por momentos, pero sabrá realizar sutiles movimientos, sutiles seguimientos de los personajes y sus acciones, además de unos encuadres que el seguidor de sus trabajos previos sabrá reconocer. Se trata, pues, en definitiva de un trabajo de cámara que nos hace sentir un filme plenamente identificable con sus contemporáneos trabajos, se siente una obra coherente y, una continuación de sus trabajos anteriores.
La ruptura (1970) además, constituye un experimento narrativo del cineasta francés, usa de manera virtuosa los extremos narrativos de su película, inicio y desenlace, como una representación sobre la debilidad del equilibrio.
Con una indiscutible potencia Chabrol nos muestra un drama singular que no puede ser olvidado, que debe ser experimentado por nosotros mismos como sus complices y aliados en el ritmo que él mismo impone para sus obras. Debemos tener cuidado y mucha atención a momentos de su película que quizas o aparentemente no proponen nada, pero siempre hay algo oculto, una interesante idea, un codigo por descifrar, reseñar y resignificar más adelante.
disfrutad entonces y recordad la necesidad de situarnos como sus mejores criticos. (Ale)

La Rupture aka The Break Up
 Trágica Separação  (1970) on IMDb
AÑO: 1970
DURACIÓN: 124 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Claude Chabrol
GUIÓN: Claude Chabrol (Novela: Charlotte Armstrong)..
MÚSICA: Pierre Jansen.
FOTOGRAFÍA: Jean Rabier.
ELENCO: Stéphane Audran, Jean-Pierre Cassel, Michel Bouquet, Annie Cordy, Jean-Claude Drouot, Jean Carmet, Marguerite Cassan, Mario David, Michel Duchaussoy, Catherine Rouvel.
PRODUCTORA: Ciné Vog Films / Euro International Film / Les Films de la Boétie.

Hélène Régnier (Stéphane Audran) abandona a su toxicómano esposo Charles (Jean-Claude Drouot), después de que éste dira una brutal paliza al hijo de ambos, enviándolo al hospital. Hélène decide quedarse en un hotelucho mientras acelera los trámites de divorcio. Pero tiene todas las de perder ante la influyente familia de Charles quien, pese a todo, podría quedarse con la custodia de su hijo tras una serie de maniobras. (FILMAFFINITY)

Revisa otras críticas en FILMAFFINITY

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La Rupture (1970) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
475 mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Si tambien deseas ver esta segunda parte de un documental sobre Chabrol y su cine, puedes verlo acá:


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14 junio 2017

La rodilla de Clara (1970)

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Directores - Éric Rohmer
Éric Rohmer

LA NOUVELLE VAGUE ._ Eric Rohmer es uno de los cineastas más personales e inclasificables del cine francés, su estilo directo y sencillo, combinado con dilemas y temas éticos, religiosos y/o sobre cualquier aspecto de la coherencia moral en el comportamiento y el trato humanos ha dado lugar a un legado filmográfico único, más cerca de un tratado sobre filosofía que de una obra de ficción comercial.
"Le genou de Claire", de 1970, forma parte de la serie de películas de Eric Rohmer agrupadas bajo el rótulo: "Seis cuentos morales". El relato es el simulacro de una aventura. La historia nos sumerge en un mundo de simulacros, de apariencias engañosas, el erotismo de Rohmer descansa sobre la negación de la sexualidad.
El film es la quinta entrega de los cuentos morales de Éric Rohmer, cunta con la actuación de Jean-Claude Brialy, Béatrice Romand, Aurora Cornu, Laurence de Monaghan,Michel Montel, Gérard Falconetti, y Fabrice Luchini como sus actores principales. Es una bella película que vale la pena disfrutar.
La rodilla de Clara cuenta la historia de Jerome, un hombre maduro a punto de casarse que pasa los últimos días de vacaciones en su antigua casa familiar de veraneo, en el lago de Annecy; ha regresado para venderla antes de comenzar una nueva vida. Allí se reencuentra con una vieja amiga escritora (Aurora) con la que retoma algunos temas de debate de la juventud sobre la vida y el amor también... Aurora veranea en casa de una familia en la que una madre y su hija adolescente (Laura) esperan la llegada de Clara, la hermanastra mayor. La cosa es que Laura se siente fascinada por Jerome, y Aurora le reta a que supere la prueba de un amor puro, incondicional y, por definición, platónico, para comprobar su firme determinación a casarse. Jerome domina con total seguridad la situación hasta que aparece Clara, etc.
La película se enfrenta a un tema que resulta aún polémico y que roza en muchos lugares con lo ilegal; las supuestas relaciones platónicas entre adultos y menores, dada por una idealización y fascinación en los adolescentes hacia el mundo adulto. (Ale)

Le genou de Claire aka Claire's Knee
 Le genou de Claire
(1970) on IMDb
AÑO: 1970
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Eric Rohmer
GUIÓN: Eric Rohmer.
MÚSICA: Varios.
FOTOGRAFÍA: Néstor Almendros.
ELENCO: Jean-Claude Brialy, Béatrice Romand, Aurora Cornu, Laurence de Monaghan, Michel Montel, Gérard Falconetti, Fabrice Luchini.
PRODUCTORA: Les Films du Losange.
GALARDONES: Concha de Oro en el Festival de San Sebastian 1971; Nomina al Globo de Oro 1972 como mejor película no anglófona; Mejor película de 1972 por el Sindicato de Críticos de Cine de Francia; .

Un escritor intenta conquistar a una joven que tiene novio. Instigado por una novelista, lleva adelante una operación de seducción que tiene mucho de afirmación personal. (FILMAFFINITY)

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Le genou de Claire (1970) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
453 Mb en 3 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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13 junio 2017

Domicile conjugal (1970)

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Directores - François Truffaut
François Truffaut

LA NOUVELLE VAGUE._François Truffaut vuelve a utilizar entre comillas la vida a Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) en su cuarta secuencia y penultima de sus aventuras.
Domicilio conyugal se transforma en un film alegre y ligero, pero al igual que muchos otros, no menos importante en la importante obra de Truffaut.
Con respecto a lo que la mayoria de gente piensa sobre "las famosas aventuras de Doinel" merodeando por un blog amigo he visto un acertado escrito que lo pienso reproducir acá, y que se vuelve muy contundente para zanjar esta brecha sobre el mitico personaje: "A diferencia de otros proyectos que captan la evolución de un personaje, Las aventuras de Antoine Doinel no fueron concebidas de antemano como un estudio del paso del tiempo sino que fueron fruto del devenir y las casualidades en el proceso de producción de François Truffaut. A partir de la primera película que presenta al personaje, Los 400 golpes, las distintas continuaciones son consecuencia de decisiones personales del director en las distintas etapas de su carrera, una característica que aporta a la saga frescura y naturalidad, cada película habita en su tiempo al igual que lo hace Doinel. De esta manera, las sucesivas entregas aportan nuevos matices al personaje y la historia va adquiriendo mayores dimensiones narrativas y cinematográficas".
La historia cuenta con una estructura narrativa más tradicional, apoyada en los personajes que habitan el bloque de viviendas del matrimonio.
Dejo pues a criterio de ustedes esta joya de Truffaut, y esperando que como siempre disfruten de sus filmes. (Ale)

Domicile conjugal aka Bed & Board
 Domicilio Conjugal  (1970) on IMDb
AÑO: 1970
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: François Truffaut
GUIÓN: François Truffaut, Claude de Givray, Bernard Revon.
MÚSICA: Antoine Duhamel.
FOTOGRAFÍA: Nestor Almendros.
ELENCO: Jean-Pierre Léaud, Claude Jade, Hiroko Berghauer, Daniel Ceccaldi, Claire Duhamel, Barbara Laage.
PRODUCTORA: Les Films du Carrosse / Valoria Films / Fida Cinematografica.

Antoine y Christine son una pareja de recién casados. Mientras él se gana la vida vendiendo flores secas por las calles de París, su mujer imparte clases de violín. Pasa el tiempo y tienen un bebé, pero Antoine, que sigue siendo un hombre emocionalmente inestable e inmaduro, tiene una aventura extramatrimonial. (FILMAFFINITY)

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Domicile conjugal (1970) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
428 mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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12 junio 2017

La Mujer infiel (1969)

0 Cinéfilos Comentaron
Directores - Claude Chabrol
Claude Chabrol

LA NOUVELLE VAGUE._ Claude Chabrol Durante la etapa Génovès se desarrolla su creación más característica, el triángulo argumental formado por los personajes Paul, Hélène y Charles de una forma más precisa, evidente y magistral, si bien todos los personajes habían nacido en la etapa anterior. Con Génovès Chabrol establecerá de forma definitiva su estilo cinematográfico y su esquema constructivo. A pesar de la importancia de la estructura del relato cinematográfico que había creado, en general la crítica de esos años le consideraba una especie de "desertor" y de "cínico", por haber abandonado los principios estéticos de la Nouvelle Vague y haberse pasado a un cine comercial. La primera afirmación es cierta, pero la comercialidad de las películas de Chabrol puede llevar a engaño. Muchas fueron éxitos de taquilla, trabajó con actores y actrices establecidos dentro del star-system, pero la arquitectura cinematográfica que hay detrás de sus relatos nos obliga a darnos cuenta de que en su cine hay algo más. Respecto al "abandono" de la Nouvelle Vague, Chabrol sólo dijo: «No existe una 'nueva ola', sólo existe el mar».

Este filme es Chabrol en estado puro, Chabrol a su máxima potencia, todas las directrices, obsesiones, especialidades y recursos del realizador son plasmados en esta cinta, probablemente la más hermosa visualmente y una de las más profundas en cuanto a tratamiento de personajes se refiere. Esta cinta también es un bellísimo homenaje a Stéphane Audran, una mujer imperial, hermosa, de la realeza del cine francés, esposa,
del Director.
Con La mujer infiel (La femme infidèle, 1969) inicia un bloque de películas que analizan 3 temas recurrentes para él: de nuevo la burguesía, las relaciones sentimentales y sexuales, la familia, y el crimen y sus consecuencias. En el film Chabrol da cuenta de su entendimiento en materia de thriller psicológico. Ya desde el título, va directo al grano de su trama. (Ale)

La femme infidèle aka Stephane
 Stephane (1969) on IMDb
AÑO: 1969
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Claude Chabrol
GUIÓN: Claude Chabrol..
MÚSICA: Pierre Jansen.
FOTOGRAFÍA: Jean Rabier.
ELENCO: Stéphane Audran, Michel Bouquet, Maurice Ronet, Michel Duchaussoy, Guy Marly, Dominique Zardi, Serge Bento, Louise Chevalier, Louise Rioton.
PRODUCTORA: Les Films de la Boétie / Cinegai S.p.A.
PREMIOS: Premio de la Sociedad nacional de Criticos de Cine de USA.

Cuando Charles Desvallées empieza a sospechar que su mujer lo está traicionando con otro hombre, contrata un detective privado para que la siga y averigüe quién es el amante. Una vez confirmada la infidelidad y descubierta la identidad de su rival, el celoso marido prepara su venganza. (FILMAFFINITY)

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La femme infidèle (1969) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
380 mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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11 junio 2017

Mi noche con Maud (1969)

1 Cinéfilos Comentaron
Directores - Éric Rohmer
Éric Rohmer

LA NOUVELLE VAGUE ._ Eric Rohmer Tres años más tarde su película La coleccionista, seria nominado al Óscar en el rubro Mejor film hablado en idioma no inglés, por Ma nuit chez Maud; al año siguiente, ese largometraje fue candidato al Mejor guion original. Es su tercer entrega de larga duración (cuarto) de la serie “Los cuentos morales”. Éste film es un Capítulo clave que se teje como una historia compleja narrada en forma sencilla.
Ma Nuit Chez Maud supuso el descubrimiento a nivel mundial del cine de Rohmer, Protagonizada por Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Marie-Christine Barrault y Antoine Vitez en los papeles principales.
La Película podría considerarse como una de las mejores producciones de Erich Rochmer. Es una impagable conversación en la que nos sitúa, como espectadores, al mismo borde de la escena, como si nosotros estuviésemos presentes, y lo logra gracias a la inestimable ayuda de su director de cámara, habitual en varios filmes, el español Néstor Almendros.
Las obras como “Mi noche con Maud”, “La rodilla de Clara”, o aquella de curioso título “El árbol, el alcalde y la mediateca”, forman parte del estilo de un director, católico y muy culto, -su obra maestra “Mi noche con Maud”, comenzaba con una cita de su adorado Blaise Pascal- que vagaba entre la sensualidad, el naturalismo y el amor. Sus películas suelen desembocar en triángulos amorosos, donde el amor –entendido como un capricho- es el recurso que utiliza el director para esos cambios que suceden alrededor de la historia. De hecho, deja a sus personajes discurrir libremente, como buen católico, haciendo gala de una opción ética y filosófica en la que suele reservar –al espectador- la función de juez, ante sus ironías eróticas, tras las cuales suele haber un carácter moral. No por casualidad, Eric Rohmer decidió llamar a esas primeras películas “Cuentos morales”.
Otro aspecto clave en su cine, es que todo se dice por el diálogo, situándose lejos de ser un simple vehículo de la caracterización de los personajes o de información; diálogos pausados, tan llenos de naturalidad que parecían improvisados, pero complejos. También observamos la importancia que tenían las anécdotas que se contaban los personajes, o esas largas escenas, casi siempre rodadas en plano secuencia. (Ale)

Ma nuit chez Maud aka My Night with Maud
 Ma nuit chez Maud
(1969) on IMDb
AÑO: 1969
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: Éric Rohmer
GUIÓN: Éric Rohmer.
MÚSICA: W.A. Mozart.
FOTOGRAFÍA: Néstor Almendros
ELENCO: Jean-Louis Trintignant, Françoise Fabian, Marie-Christine Barrault, Antoine Vitez, Leonid Kogan.
PRODUCTORA: Les Films du Losange.
GALARDONES: Candidata a la Palma de Oro en Cannes 1969; Nominada al Oscar de Mejor Película no anglófona 1970; Premio de Mejor Película 1970 por el Sindicato de críticos de cine de Francia; Premio de Mejor guión 1970 por el Círculo de Criticos de Cine de NY; Nominada al Oscar de mejor Guión original 1971; Premios de Mejor guión y Mejor Fotografia 1971 por la Sociedad Nacional de críticos de cine de EEUU.

Jean-Louis, un ingeniero católico de treinta años, descubre un día a la salida de misa a Françoise, una mujer rubia, y presiente que algún día se casará con ella, pero la pierde entre la multitud. Por otra parte, su viejo amigo Vidal, marxista convencido, lo lleva a casa de Maud, una bella divorciada. (FILMAFFINITY)

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Ma nuit chez Maud (1989) / Audio Original - Subtítulos en Español / DVDrip > rmvb
432 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfile

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Si te interesa ver éste analisis sobre de la película lo puedes ver acá:


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10 junio 2017

Besos robados (1968)

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Directores - François Truffaut
François Truffaut

LA NOUVELLE VAGUE._François Truffaut reflejo su modo de ver el mundo y su vida en el cine, muchas veces utilizo fragmentos o escenas de otras de sus películas en otras películas, como un asunto causal y retrospectivo.
Baisers volés ocupa sin duda un lugar destacado dentro del “ciclo Doinel”, junto al reconocimiento inicial que supuso Los cuatrocientos golpes. El cineasta recupera por tercera vez a Antoine Doinel en un proyecto en principio sencillo, rodado en pocas semanas, con un guión que deja espacio para la inspiración del rodaje y la participación de Jean-Pierre Léaud, quien a partir de esta cinta incorpora también sus propias vivencias al personaje.
Se aborda la evolución del personaje en un tono ligero, en clave de comedia punteada por distintos elementos dramáticos, marcando ciertas distancias con la necesaria dureza de los episodios narrados en Los cuatrocientos golpes. El sencillo relato “Antoine y Colette” de El amor a los veinte años esbozaba los rasgos básicos del personaje a los 17 años, al hilo de sus primeros amores juveniles, un retrato que matiza y desarrolla Besos robados. Antoine continúa siendo a sus 23 años un joven tímido, inseguro y decididamente romántico, que prefiere expresarse en la distancia, mediante inspiradas cartas y observar atentamente a su alrededor. Refleja la propia independencia de Truffaut, y se desenvuelve algo al margen de lo establecido por la sociedad, tal vez por las dificultades en su crecimiento. (Ale)

Baisers volés aka Stolen Kisses
 Stolen Kisses
(1968) on IMDb
AÑO: 1968
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Francia.
DIRECTOR: François Truffaut
GUIÓN: François Truffaut, Bernard Revon, Claude de Givray.
MÚSICA: Antoine Duhamel.
FOTOGRAFÍA: Denys Clerval.
ELENCO: Jean-Pierre Léaud, Claude Jade, Delphine Seyrig, Michael Lonsdale, Harry-Max, André Falcon, Daniel Ceccaldi, Claire Duhamel, Catherine Lutz.
PRODUCTORA: Les Films du Carrosse / Les Productions Artistes Associés.
PREMIOS: 1968: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 1968: Globos de oro: Nominada Mejor película de habla no inglesa. 1969: Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor Actriz de reparto (Seyrig).

Continúa el ciclo de Antoine Doinel tras "Los cuatrocientos golpes" y "L'amour à vingt ans". El protagonista (Jean-Pierre Léaud), tras ser expulsado del ejército por insubordinación, visita a su antigua novia, Christine (Claude Jade) cuyo padre le encuentra a Antoine un trabajo temporal como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, por culpa de un detective privado, pierde el empleo el primer día. Para compensarlo, el detective le ofrece trabajo en su agencia. Después de encargarse de asuntos menores, recibe la misión de averiguar por qué todas las empleadas de una zapatería lo odian. En la tienda, Antoine conoce a Fabienne (Delphine Seyrig), la esposa del propietario. (FILMAFFINITY)

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Baisers volés (1968) / Audio Original / BRrip > MKV x265
Subtítulos flotantes en Español - Portugués - Inglés
335 Mb en 2 Partes / No Password / Servidor de Download: Depositfiles

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